Русские художники

Константин Егорович Маковский



Мастер появился на свет в 1839 году в семье талантливого человека и неплохого художника Егора Ивановича Маковского. Художественная среда, в которой воспитывался Константин, оставила свой отпечаток на всех детях из этой семьи. Мальчики стали известными художниками, а их сестра Мария — актрисой.

Константин легко и успешно учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Друзьями его родителей были знаменитые художники — В. Тропинин и К. Брюллов, что, несомненно, повлияло на творчество мастера. Константин столь же успешно поступил в Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге, учился прекрасно и еще будучи студентом стал участвовать в выставках. Но академический диплом ему не достался, так как вместе с некоторыми другими учащимися не стал работать над полотнами по мифологии скандинавских стран.

Маковскому было свойственно реалистическое изображение реальности, но и не чуждо романтическое направление и склонность к использованию достаточно пышных декоративных деталей и элементов. Тем не менее, его полотна смотрятся очень органично и цельно, в них чувствуется основательная академическая подготовка и несомненный талант живописца и рисовальщика.

Знакомство и совместная работа с Крамским логическим образом привела к созданию с некоторыми другими известными художниками «Товарищества передвижных художественных выставок». Эти художники быстро стали известны как передвижники. Маковский продолжил свою серию работ, которые изображали простых людей, занятых своими обыденными, повседневными занятиями.

На тематику работ и особенно художественные средства реализации замысла, цветовую гамма картин Константина большое влияние оказали его путешествия в Сербию и в Египет. Картины обретают многоцветность, богатый колорит и часто отличаются сложной многофигурной композицией. Мастер увлекается историческими событиями, которые изрядно идеализирует в угоду пущей изобразительной привлекательности.

Также в этот период Маковский успешно пишет большое количество портретов. Среди них необыкновенно красивые изображения Марии Волконской и супруги царя Александра III Марии Федоровны в молодости. Последняя картина — парадное изображение, в полной мере отражающее массовое увлечение аристократией псевдорусскими мотивами. Богатые украшения царицы и ее диадема, сильно напоминающая кокошник, наглядно демонстрирует высочайшее мастерство художника. Эти же особенности характерны и для других работ мастера, изображающих русских людей прошлых эпох. Они предельно идеализированы, но очень красивы и привлекательны, мастерски выполнены.

Жизнь талантливого художника прервалась внезапно. 76-летний мастер погиб, когда его экипаж попал под трамвай. После него осталось множество прекрасных картин, которые демонстрируют его высокий уровень как художника. В его картинах осталась целая эпоха, бурная и энергичная, время, когда формировалось новое русское искусство и создавались запоминающиеся, эпохальные полотна.

https://muzei-mira.com/biografia_hudojnikov/2082-hudozhnik-konstantin-egorovich-makovskiy-kartiny-i-biografiya.html

Филипп Андреевич Малявин



Филипп Андреевич Малявин (22 октября 1869, село Казанка Самарской губернии — 23 декабря 1940, Ницца) — русский художник, график. Начал осваивать азы живописи в афонском монастыре, откуда перекочевал в петербургскую Академию художеств под личное наставничество Ильи Репина. Писал главным образом портреты в манере, сочетающей черты импрессионизма, экспрессионизма и модерна. Начиная с 90-х годов XIX века обретает главное вдохновение в живописании мощных образов людей из народа и усердно разрабатывает крестьянскую тему практически до конца жизни.

Особенности творчества художника Филиппа Малявина: его живопись обладает неуемным, буйным характером, не вписывается в конкретные стилистические рамки и впечатляет как масштабом полотен (Малявин редко брался за холсты размером менее квадратного метра), так и страстностью письма, что находит воплощение в стремительном напоре вихревого мазка и огненно-красной цветовой гамме. Известные картины Филиппа Малявина: «Смех», «Вихрь», «Девка», «Крестьянская девочка», «Крестьянки», «Автопортрет с женой и дочерью», «Крестьянская девушка с чулком».

Биография художника Малявина настолько же пестра, захватывающа и эксцентрична, как и его картины. Выходец из бедной крестьянской семьи проделал путь от послушника Афонского монастыря до студента Академии художеств Петербурга, а затем и модного, широко известного в Европе живописца.

Его независимое и своеобразное видение русского крестьянства вызывало негодование отечественных критиков и восторги заграничных ценителей художественной экзотики в исполнении экстравагантного самородка из российской глубинки.

https://artchive.ru/filippmalyavin

Сергей Васильевич Малютин



Родился 22 сентября 1859 года в Москве. Он обучался в коммерческом училище. Окончив это учебное заведение, Малютин начал работу в Воронеже на должности чертежника. В конце 70-х годов Малютин посетил передвижную выставку, открывшуюся в этом городе. Живопись поразила его до глубины души. Оставаясь под впечатлением от увиденного, Малютин решил стать живописцем. Чтобы осуществить свою мечту, Малютин возвращается в Москву и в 1883 году поступает в Училище живописи, ваяния и зодчества. Его преподавателями стали В.Е. Маковский, И.М. Прянишников, Е.С. Сорокин.

Малютин окончил Училище в 1886 году со званием свободного художника. Раннее творчество художника отличалось большим разнообразием. Он писал жанровые сцены, близкие манере передвижников, исторические картины, пейзажи. В девяностые годы он активно занимался сценографией и декоративной живописью. Малютин участвовал в оформлении постановок в различных театрах. На протяжении долгих лет основным направлением деятельности художника оставалась книжная графика: он делал иллюстрации к сказкам А.С. Пушкина.

В начале 20 века Малютин работает в имении Талашкино, принадлежавшем М.К. Тенишевой. Здесь художник разрабатывает дизайн утвари и мебели. Малютин не ограничился рамками этого имения, он также выполнил эскизы для оформления Спасской церкви-усыпальницы, театра и «Теремка» в Талашкино. Малютин участвовал также в оформлении дома Перцова. Он создавал эскизы для оформления фасадов и интерьеров, участвовал в архитектурном проектировании здания. В этом доме Малютин жил с 1906 по 1908 год.

Художник не стремился просто подражать традиционному народному искусству. Он участвовал в создании особенного варианта стиля модерн. Позднее Малютин получил известность как портретист. Он создавал портреты Д.А. Фурманова, В.А. Гиляровского, Н.П. Богданова-Бельского, К.Ф. Юона, А.М. Васнецова, В.Я. Брюсова. Эти работы были написаны в рамках идеи П.М. Третьякова о галерее лучших людей.

В 1914 году Малютину присваивают степень академика. Он становится членом Товарищества Передвижных Художественных Выставок, затем вошел в Союз русских художников. В течение всей своей жизни художник совмещает активную творческую работу с педагогической деятельностью. В 1922 году Малютин принимает участие в создании Ассоциации художников революционной России.

Малютин умер 6 декабря 1937 года в Москве.

http://www.hudojnik-peredvijnik.ru/malyutin-s-v/

Григорий Мясоедов



Григорий Мясоедов — один из основателей Товарищества передвижных художественных выставок. Сорок лет он входил в состав правления этого объединения и был автором первого варианта устава. Его творчество — это воплощение основополагающих принципов передвижников.

Григорий Мясоедов родился в семье обедневшего дворянина из Тульской губернии, во владении которого было небольшое поместье. Будущий художник не понаслышке был знаком с трудностями простой крестьянской жизни, так как положение его семьи мало отличалось от жизни рабочих. В нужде провел он и студенческие годы: «Жил я, как и большинство студентов Академии художеств, на Васильевском острове в бедной комнате. Источником существования моего была работа на кондитерскую, где пеклись пряники, — я с товарищем раскрашивал их. Баранам и свиньям золотили головы, генералам — эполеты. Платили за это по три копейки с дюжины. Обедали на Неве, на барке, где давали за шесть копеек щи с кашей без масла…»

Расцвет либеральных идей общества совпал с внутренними убеждениями Мясоедова. «Правдивый минор, отвечающий всей нашей жизни» привлекает его куда больше, чем безжизненные сюжеты академизма. Так родились его многочисленные работы на крестьянские темы: «Земство обедает» (1872, Третьяковская галерея), «Опахивание» (1876, Русский музей), «Дорога во ржи» (1881, Третьяковская галерея).

Мясоедов был активным общественным деятелем и невероятно разносторонним художником. Помимо жанровых картин, в его творчестве встречаются пейзажи (Крым и Юг Украины), исторические картины («Бегство Григория Отрепьева из корчмы на литовской границе», 1862, Третьяковская галерея) и, конечно, портреты («Портрет И.И. Шишкина», Картинная галерея им. К.А. Савицкого). Кроме того, Мясоедов писал и на религиозные темы (храм Спаса на Сенной).

Григорий Мясоедов был образцовым выпускником Императорской Академии художеств. Только лучшие из лучших удостаивались чести по окончании учебного заведения стажироваться за границей. На средства из государственной казны художник побывал во Франции. Италии, Испании, познакомился с главными памятниками мировой художественной культуры и актуальным искусством Европы того времени. Вторая половина XIX века стала временем расцвета критического реализма во Франции, Италии, Германии. Главной своей задачей художники считали правдивое изображение повседневной жизни страдающих и обездоленных людей. На примере европейских живописцев Мясоедов убедился в необходимости приблизить искусство к зрителю. В своем творчестве он решил противопоставить «живое» искусство строгим постулатам академизма. Так родилась идея создать объединение передвижников.

По словам архитектора Василия Стасова, одним из основных постулатов передвижников было «стремление к реальному и повседневному». Сходство с натурой доходило едва ли не до натурализма. Художественному языку Мясоедова это также присуще. Например, на картине «Дорога во ржи» усталый путник, обращенный спиной к зрителю, медленно движется по дороге, которая проходит через ржаное поле. Однако не только его фигура является главным персонажем в этой работе. С невероятной точностью автор произведения прописывает каждую травинку, каждый колосок — любая мелочь становится объектом его пристального внимания. В то же время образ путника условен: это некий архетип. Его фигура символизирует стремление к недостижимой цели.

Другой важной составляющей творчества Мясоедова и других передвижников была гипертрофированная передача, как правило, тяжелого психологического состояния персонажей картины. Это отчетливо видно в работе «Земство обедает». Выражения лиц крестьян, ожидающих, когда же представители земского учреждения закончат свою трапезу, очень угрюмы: они явно пришли с просьбой, в исполнении которой им, скорее всего, откажут. Скрупулезная прорисовка лиц точно передает состояние персонажей, и это заставляет зрителя сопереживать их нелегкой доле. Художник, как и многие жанристы того времени, отходит от явного обличения и критики — он лишь констатирует то, что имеет место в реальной жизни, не приукрашивая ее при этом.

На 1870–80-е годы пришелся период расцвета в творчестве художника. Его «Бегство Григория Отрепьева» отметили большой золотой медалью, а за картину «Заклинание» мастер удостоился звания академика. Это время активного участия Мясоедова в передвижных выставках — не только в качестве художника, но и их идеолога. По воспоминаниям современников, Григорий Мясоедов был человеком незаурядным, остроумным, но в то же время слишком прямолинейным, его хлесткие высказывания часто обескураживали собеседников. Он был рьяным сторонником реализма и категорически отвергал какие бы то ни было новые веяния в искусстве, в частности импрессионизм. Публика же принимала искания молодых художников с восторгом. «Будучи новатором в молодости, он превратился в старости в консерватора, яростного защитника устоев передвижничества». Григорий Мясоедов считал, что картинам в духе импрессионизма нет места на выставках передвижников. Столь категоричная позиция привела к расколу в объединении. Главным оппонентом Мясоедова стал Илья Репин, который потребовал роспуска совета правления передвижников по причине его излишнего ретроградства и неспособности отвечать потребностям объединения. В результате все члены правления демонстративно покинули совет, предоставив Мясоедову право возглавлять его в одиночестве.

В 1876 году, не выдержав такого удара, художник оставил Товарищество. С этого времени искусствоведы отмечают начало спада в его творчестве. Художник пишет пейзажи, пробует работать в графической технике, создавать театральные декорации и эскизы к спектаклям. Но фактически для него это время отверженности. «Это парадоксально, а я так и говорю: мы вдвоем с моим одиночеством имеем комнату на Васильевском острове в деревянном домике, — высказывался Мясоедов. — Здравствуй, мое одиночество, пойдем со мной в гости, мое одиночество».

Григорий Мясоедов умер 30 декабря 1911 года в своем имении под Полтавой. В истории искусства художник навсегда останется одним из основоположников важнейшего явления в отечественной живописи — передвижничества.

https://www.culture.ru/persons/8963/grigorii-myasoedov

Федотов Павел Андреевич



Федотов Павел Андреевич (Fedotov Pavel Andreyevich), выдающийся русский живописец и рисовальщик. Родился Федотов в Москве 22 июня 1815 года, в приходе Харитония, что в Огородниках. У отца его был маленький деревянный домик; человек он был бедный, семья была большая, и дети, в том числе и Павлуша, росли без особенного надзора. Нравы улицы, где жили Федотовы, были самые патриархальные, какие еще долго существовали на окраинах Замоскворечья: все соседи по улице жили одной семьей, и подрастающее поколение проводило целые дни летом на сеновалах, а зимой на дворе в салазках. Художник Павел Федотов рассказывал впоследствии о том, что все изображенное на его картинах есть плод его юношеских наблюдений в Огородниках и все типы, занимающие его, есть продукт чисто московский.

Одиннадцати лет его отдали в кадетский корпус. Способности у мальчика были блестящие, память была необычайная, и начальство могло быть смущено только тем обстоятельством, что на полях учебных тетрадей Федотова находилась целая коллекция портретов учителей и надзирателей, да еще вдобавок в карикатурном виде. Начав военную службу прапорщиком лейб-гвардии гренадерского Финляндского полка в Санкт-Петербурге, Федотов занимается музыкой, переводами с немецкого, пишет эпиграммы на друзей и товарищей, рисует на них карикатуры. Средств у Павла Федотова не было никаких, и тянуться за товарищами в кутежах он не мог.

В свободное от службы время он занялся карикатурами и портретами, которые были чрезвычайно удачны и обратили на себя внимание ценителей. После долгих убеждений начинающий художник решился оставить службу и с пенсией в 28 рублей 60 копеек в месяц вышел в отставку. Он на эту пенсию не имел права: ему она была назначена только по особенной милости государя Николая Павловича, оценившего его талант и предполагавшего, что из него выйдет хороший батальный живописец.

Федотов переехал на Васильевский остров, нанял небольшую комнатку от хозяйки и поступил в Академию художеств. С раннего утра молодой живописец засаживался за свои эскизы и этюды, кутаясь от холода в тулупчик, надетый поверх халата, и только в жарко натопленных классах Академии отогревался от домашней работы.

Работать художнику приходилось много: рука была непривычна к правильному рисунку, изломалась на постоянной карикатуре, и Брюллов на первых порах заподозрил, что у Федотова нет способности к живописи. В Москве его семье жилось плохо: оттуда приставали с присылкою денег. Художник решил уделять семье часть своей пенсии и питаться обедом из кухмистерской за 15 копеек, разделяя скудную трапезу с своим денщиком Коршуновым, добродушнейшим типом искренно и беззаветно преданного своему офицеру солда
На веселый характер молодого человека такая обстановка не влияла удручающим образом. Федотов верил в себя и в то, что из него выйдет действительный художник. В академических классах, под руководством профессора Зауервейда, тоже, по-видимому, сомневавшегося в его таланте, он изучал батальную живопись. Профессор требовал рутинной компоновки, той вылощенности и вылизанности в изображении солдат, какой требовало их начальство на майских парадах.

Федотову все это было не по сердцу, и дома он отводил душу, изображая самые обыденные жанры, освещенные самым добродушным юмором автора. Чего не поняли Брюллов и Зауервейд, то понял Иван Андреевич Крылов – эта чисто славянская лениво-мощная натура. Он случайно увидел эскизы молодого живописца и, несмотря на всю свою лень, даже написал художнику письмо, убеждая оставить навсегда лошадок и солдатиков и приняться за настоящее дело – за жанр. Один художник чутко угадал другого; Федотов поверил баснописцу и бросил Академию.

В 1847 году живописцем была написана первая картина, которую Федотов решился представить на суд профессоров. Картина эта называлась "Свежий кавалер". Утро чиновника, получившего первый крестик и представляла чиновника, еле опомнившегося после пирушки, данной им по случаю получения ордена. Сам чиновник изображен в убогом халатике, с головой, завитой в папильотки, необутым и пререкающимся с кухаркой, которая показывает ему проносившиеся подошвы его сапог. Под столом виден один из вчерашних гостей, спросонья наблюдающий за домашней сценой. В общей композиции чувствуется прямое влияние английских жанристов, особенно в трактовке сюжета. Еще более последнее влияние чувствуется на другой картине "Разборчивая невеста", написанной на текст известной басни Крылова. В этих произведениях не могли не признать истинного таланта даже такие ярые поклонники монументальной живописи, как Брюллов, и советовали Федотову продолжать занятия в том же направлении.

На выставке 1849 года впервые появились и эти две картины, и новая, гораздо более совершенная – "Сватовство майора". За последнюю картину художника удостоили званием академика. Публика с нескрываемым удивлением и восторгом стояла перед этими картинами: это было новое откровение, новый мир, открытый художником. До сих пор русская жизнь, как она есть, во всей ее реальной откровенности, не появлялась еще в живописи. Картина Федотова была написана в тех красках, в каких Гоголь писал свою "Женитьбу", опередив на несколько лет Островского с его высокохудожественными образами из московской купеческой жизни. Центр картины занимает невеста, одетая в широкое кисейное платье 1840-х годов, кинувшаяся из комнаты при известии, что приехал жених. Мать, одетая по-купечески, в шелковом повойнике, поймала ее за платье; старик отец наскоро запахивает свою сибирку; ключница, нянька и горничная суетятся у закусочного стола. Сваха в шелковом шугае, с неизбежным платочком в руках, стоит в дверях, оповещая о женихе. Сам жених виден в открытую дверь: это бравый усатый майор, в котором отчасти можно уловить черты лица самого художника. Равнодушным к общему переполоху остается только котенок, занимающий самый первый план картины и беззаботно умывающийся на паркете купеческой гостиной. Такой же огромный, если не больший, успех имела эта картина в Москве. Она принесла художнику и материальное благосостояние, но, к сожалению, судьба слишком поздно пришла на помощь художнику. Федотов мечтал поехать в Лондон и учиться у тамошних жанристов, но недуг уже гнездился в нем и подтачивал его жизнь. Напряженная нервная жизнь и несчастная влюбленность содействовали развитию в нем тяжкой психической болезни.

Весной 1852 года его характер круто изменился; из веселого он сделался задумчивым, стал говорить, что много времени прошло, много воды утекло, но что еще не поздно, пока есть еще фашины и камни, еще можно задержать течение. Им была задумана новая картина "Возвращение институтки в родительский дом". Сюжет должен был быть развит в том направлении, что институт, где была барышня много лет, принадлежал к числу аристократических; она мечтала все время о возвращении домой, рисуя в грезах домашний очаг земным раем, и теперь, на пороге родительского дома, остановилась, пораженная беднотой встретившей ее обстановки. Для того чтобы добыть средства для писания этой картины, Федотов повторил "Сватовство майора" и получил за него очень почтенный куш, но все эти деньги он истратил без толку, на всякий вздор и на подарки своей невесте. Когда все деньги вышли, тогда только приятели догадались, что художник ненормален и нуждается в строгом надзоре. Его пришлось поместить в лечебницу для душевнобольных, и там он окончил свое грустное существование, изредка посещаемый приятелями, иногда кроткий, иногда буйный.

Хоронили художника 18 ноября 1852 года, и большая толпа почитателей шла за его гробом. Плакал и убивался на его могиле больше всех его денщик Коршунов. После смерти художника картин осталось немного. Картина "Вдовушка" представляет повторение оригинала и изображает вдову офицера, собравшую свой скарб для переезда на другую квартиру. Хотя полотно "Вдовушка" и принадлежит к позднейшим произведениям Федотова, но она в значительной мере уступает первым двум картинам: в ней чувствуется какой-то сентиментализм. В Третьяковской галерее есть несколько акварелей и сепий, а также портрет масляными красками графини Е.П. Растопчиной. Вообще несовершенный в технике, Федотов-портретист значительно уступал Федотову-жанристу. Тем не менее до нас дошло несколько его оригинальных работ в этом роде. Подобно Хогарту, русский художник Павел Андреевич Федотов создавал циклы рисунков. Таков ряд набросков, изображающий Жизнь гениального живописца, которая начинается появлением звезды, возвышающей его рождение. Юмор иных рисунков очень тонкий, показывающий чрезвычайную, чуткую наблюдательность автора. Наброски Федотова карандашом очень значительны и некоторые превосходны. Здесь живая наблюдательность художника выступает с поразительной красотой, а живой, здоровый юмор окрашивает все композиции добродушным колоритом. Павла Федотова можно смело поставить во главе нового направления живописи: художник открыл собой тот цикл наших жанристов, который получил особенно яркое развитие в лице Перова и Владимира Маковского.

http://smallbay.ru/fedotov.html

Тропинин Василий Андреевич (1776— 1857), живописец



Родился 30 марта 1776 г. в селе Карпове Новгородской губернии. Крепостной графа Б. К. Миниха, затем графа А. Моркова.

Выдающиеся способности Тропинина, проявленные ещё в детстве, побудили Моркова определить юношу в Академию художеств в Петербурге (1798 г.), где его учителем был известный портретист С. С. Щукин. В 1804 г. Тропинин представил на конкурс свою первую картину «Мальчик с умершей птичкой». Художнику не удалось окончить курс обучения — по прихоти помещика он был отозван из Петербурга. До 1821 г. жил на Украине. Получив свободу только в 47 лет (1823 г.), переехал в Москву, где трудился до конца жизни.

Тропинин прекрасно усвоил наследие русских портретистов XVIII в., но при этом сумел выработать неповторимую живописную манеру. С большой теплотой и любовью он раскрывает внутренний мир изображаемых им людей. Среди лучших работ — портреты жены (1809 г.), И. И. и Н. И. Морковых (1813 г.), сына (1818 г.), императора Николая I (1825 г.), Н. М. Карамзина, А. С. Пушкина (1827 г.), Я. В. Гоголя, композитора П. П. Булахова (1827 г.), В. А. Зубовой (1834 г.), К. П. Брюллова (1836 г.), автопортрет (1846 г.). Их отличает нежный колорит, чёткость объёмов. В картинах «Кружевница» (1823 г.), «Золотошвейка», «Гитарист», этюде «Старик-нищий» Тропинин создал выразительные, привлекающие душевной красотой образы людей из народа.

Живописец несколько раз добивался звания члена Академии художеств, но получил его лишь в 1824 г. за портрет медальера Лебрехта, отличающийся гармоничностью и законченностью исполнения. Всего Тропинин оставил более 3 тыс. работ, оказав значительное влияние на портретную живопись московской школы.

Умер 15 мая 1857 г. в Москве.

http://citaty.su/kratkaya-biografiya-tropinina

Ефрем Иванович Зверьков родился в Тверской губернии в селе Нестерова 1 февраля 1921 года. Первоначальное художественное образование получал при помощи частных уроков. Далее поступает в Ленинград во Всероссийскую академию художеств на подготовительное отделение. Учиться там не довелось – вскоре началась Великая Отечественная война. Годы войны провел на фронте. За это время желание стать художником только окрепло, и Ефрем Зверьков поступает в Московский художественный институт имени В.И. Сурикова.

Молодой художник заявил о себе в жанровых работах. Уже в этих работах была видна любовь Зверева к природе. Начиная с 60-х годов, основная часть его работ отображала пейзажи Подмосковья, Рязани, Твери. В своих картинах Зверьков старался отображать природу, нетронутую человеком, добавляя в неё ностальгические нотки.

Ефрем Зверьков – художник-пейзажист раннего утра.Больше всего художник любил работать в предрассветные часы и утром, поэтому каждый утро вставал в пять часов. В 1975 году состоялась первая персональная выставка Ефрема Зверькова. К этому времени художника уже хорошо знали не только в России, но и за рубежом, ведь он уже неоднократно выставлялся на международных выставках. Когда вначале 90-х в Москве происходило восстановление живописи храма Христа Спасителя, Зверьков был избран председателем комиссии и руководителем всех реконструкционных работ.

В довоенные и первые годы после войны Зверьков писал жанровые картины. В них каждый может заметить стремление молодого художника к соединению и гармонии между жизнью человека и Природой или жизнью человека и Искусства.

Во время авианалета немцев, Ефрем Зверьков наблюдал, как истекает соком поврежденное осколком бомбы дерево. "Я подумал тогда, - рассказывает Зверьков. - А почему должна страдать природа от наших человеческих игр? В ту пору я и решил: выживу - займусь пейзажем!" Так художник обратился к жанру, который после 60-х годов стал основным его направлением.

Для пейзажей Зверькова характерны утонченность, благородство и тихая радость. Оглядываясь на происходящее вокруг, Ефрем Зверьков меняет свое мировоззрение, что не могло не отразиться на его работах. Так, на картинах все чаще появляются тучи, опустелые поля или заброшенные деревни. Художник чувствует Природу, чувствует и умело передает на холсте ее цвета. Русский пейзажист очень любит полутона, поэтому он отдает предпочтение таким порам года как осень и весна.

Картины Ефрема Зверькова можно легко узнать среди пейзажей других Авторов. В отличие от многих художников, Зверьков не вырисовывает на своих картинах детально передний план, кроме того, на многих работах его вообще нет. Ефрем Зверьков изображает не просто природу, он изображает ее такой, какой ее воспринимает его современник. Творчеству Ефрему Зверькова посвящены монографии, альбомы, более 200 публикаций в различных изданиях, о нем сняты фильмы. В 2001 году именем Е.И. Зверькова названа новая звезда в созвездии Водолея.

http://anysite.ru/publication/zverkov

В число передвижников входили Василий Перов, Алексей Саврасов, Иван Шишкин, Илья Репин, Николай Ге, Василий Поленов, Виктор и Аполлинарий Васнецовы, Василий Суриков, Архип Куинджи, Исаак Левитан, Владимир и Константин Маковские, Валентин Серов и, конечно, Иван Крамской, предводитель движения.

Первой своеобразной акцией передвижников стал сорванный конкурс, посвященный столетию Императорской академии художеств: ее лучшие выпускники не стали писать заданный мифологический сюжет и, получив отказ в свободной теме, удалились из аудитории. Впоследствии бунтари организовали первое в России творческое объединение «Артель художников», которая в 1870 году превратилась в «Товарищество передвижных художественных выставок», вдохновлявшееся идеей народничества.

Полную историю товарищества передвижников читайте в материале портала «Культура.РФ» по ссылке.
Бунтари от живописи
От легенд и мифов — к повседневным образам, будь то крестьяне, среднерусский пейзаж или выдающиеся люди страны. Реализм против академизма. Вдохновленные идеями народничества и уставшие от рамок Академии художеств, живописцы в конце ХIХ века объединились в творческое сообщество и поехали со своими картинами по стране. Вспомним историю художников-передвижников вместе с Натальей Летниковой.

Живописный бунт. Четырнадцать лучших выпускников Императорской Академии художеств предпочли Большой золотой медали свободу творчества. Отказались писать картину на германо-скандинавский сюжет про пир в Валгалле, посчитав предложенную тему слишком далекой от реальности. Бунтари попросили свободную тему. Получив отказ, покинули аудиторию, чем сорвали конкурс к 100-летию Академии. Художники направили прошение выдать дипломы, соответствующие уже полученным медалям.
«Артель художников». В 1863 году молодые живописцы под предводительством Ивана Крамского создали первое в истории русского искусства творческое объединение. Главной идеей провозгласили реализм и социальную направленность. Вместо театральности и мифологии. Вела общее хозяйство в доме на Васильевском острове супруга Крамского Софья Прохорова. Артельщики принимали заказы, давали уроки рисования, по четвергам обсуждали проблемы современного искусства. Подорвал идею «коммуны» финансовый вопрос и возобновление некоторых артельщиков сотрудничества с Академией. Возмущенный Крамской покинул Артель, и сообщество пришло в упадок.

Художники-передвижники. Через семь лет после образования Артели на смену пришло «Товарищество передвижных художественных выставок». Вдохновленные идеей народничества, объединились московские и петербургские живописцы и взялись за просветительскую работу и организацию выставок. Передвижники противопоставляли свое творчество академизму. Горячо приветствовал вольное содружество в русском искусстве знаменитый критик Владимир Стасов. «Очень замечательным для русского искусства явлением» назвал начинание передвижников Михаил Салтыков-Щедрин.


Крамской и лучшие из лучших. Василий Перов, Алексей Саврасов, Иван Шишкин, Илья Репин, Николай Ге, Василий Поленов, Виктор и Аполлинарий Васнецовы, Василий Суриков, Архип Куинджи, Исаак Левитан, Владимир и Константин Маковские, Валентин Серов… Портретисты, представители бытового и классического жанра, мастера тихих пейзажей и историки от живописи, театральные художники и художники-монументалисты. Передвижники — цвет русского изобразительного искусства конца ХIХ века.
Устав — на благо народа. Организация передвижных художественных выставок во всех городах империи стала главной задачей сообщества. Устав сообщества был утвержден в 1870 году. Передвижники отправились со своими работами и представлениями о живописи «в народ». Художники хотели познакомить жителей провинции с современным русским искусством, а заодно и продать свои картины. Таким образом картины покинули Петербург, стены Академии художеств и вышли за рамки галерей.

Первая выставка. «Выставка поразительна не по одному только прекрасному своему намерению — она тоже поразительна и по прекрасному осуществлению его… Это люди с таким же талантом, как и прежде, но только голова у них другая», — писал Владимир Стасов. В 1871 году выставка открылась в Петербурге и за два месяца побывала в Москве, Киеве и Харькове. Уже до начала работы экспозиции была куплена половина из 46 картин и рисунков. Вернисаж имел не только общественный резонанс, но и финансовый успех. Доселе живописцам неведомый.
Художественный кооператив. Демократическое решение насущных вопросов голосованием и общий бюджет — главные организаторские принципы передвижников. Уже после первой выставки четыре тысячи рублей поделили между участниками товарищества. Неслыханное дело. До этого доходы от выставок Академии художеств, которые в год едва достигали пяти тысяч рублей, шли в госказну. Сами же художники вознаграждения не получали. А по уставу передвижников лишь 5% от стоимости картины и деньги за билеты шли в общую кассу. Остальное — гонорары.

Выставочные круизы. «Народные выставки» объехали немало городов. «Для развития любви к искусству в обществе». Ярославль, Тула, Саратов, Воронеж, Рига, Кишинев, Казань, Одесса, Киев… Всего за время существования сообщества передвижников художники организовали около полусотни выставок. Не проданные на основных вернисажах картины отправлялись далее — в поездку по стране. Лишь первая параллельная выставка побывала в 12 городах России. Так художники обретали известность в отдаленных уголках и финансовое благополучие.

Конфликт поколений. Члены товарищества — маститые, заслуженные отцы-основатели и начинающие художники — экспоненты. К примеру, в числе последних был и автор знаменитой картины «Апофеоз войны» Василий Верещагин. Больше половины участников передвижных выставок приходилось именно на экспонентов. Но права голоса они не имели, и стать кандидатом в члены Товарищества было непросто. Также им разрешалось выставляться только с сообществом. Строгие правила лишали объединение «свежей крови», и к 1923 году Товарищество передвижников прекратило свое существование.
Картины с выставки. «Тесный кружок лучших художников и хороших людей, трудолюбие да полнейшая свобода и независимость — вот это благодать!» — писал Павел Третьяков Крамскому. Павел Михайлович поддерживал творческое объединение, и тому подтверждение — полотна художников-передвижников в коллекции знаменитого мецената. К примеру, открытие первой выставки — картину Алексея Саврасова «Грачи прилетели» — коллекционер купил здесь же. «Продано» значилось и на картине Николая Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе», и на множестве других полотен, которые теперь составляют значительную часть коллекции Третьяковки.

ТЕГИ:
ПУБЛИКАЦИИ РАЗДЕЛА МУЗЕИ
СМОТРИТЕ ТАКЖЕ
Позабытые живописцы — братья известных художников: Брюллов, Коровин и другие
Позабытые живописцы — братья известных художников: Брюллов, Коровин и другие
Вспоминаем русских мастеров, которым пришлось искать свою дорогу в жизни.

ПУБЛИКАЦИИ РАЗДЕЛА МУЗЕИ
Неузнаваемая Серебрякова: 7 мужских портретов
Женщины на портретах Зинаиды Серебряковой обладают неуловимым сходством — они тонкие, изящные, с огромными глазами. И все чуть-чуть похожи на саму художницу, благодаря чему ее авторство угадывается сразу. А как обстоит дело с мужскими образами? Вместе с Софьей Багдасаровой вспоминаем портреты, выпадающие из «фирменного стиля» художницы.

Борис Серебряков (1913)

Рыжеватый блондин с бородой — муж художницы, поэтому появляется во многих ее произведениях. Будущие супруги выросли вместе — Борис Анатольевич Серебряков приходился Зинаиде двоюродным братом. Однако, в отличие от многих членов клана Бенуа-Лансере-Серебряковых, он не стал заниматься искусствами, а окончил Петербургский институт инженеров путей сообщения. На портрете Борис изображен в форменном костюме по ведомству Министерства путей сообщения — через год его пошлют строить железную дорогу Иркутск — Бодайбо. В 1919 году Борис умер от тифа, оставив Зинаиду с четырьмя детьми на руках. Больше замуж она не выходила.

Игнат Голубев (1914)

Крестьянин Игнат Дмитриевич Голубев работал плотником и «мастером на все руки» у семьи Серебряковых в селе Нескучном Харьковской губернии. Его дочь вспоминала, какие хорошие хозяева это были: «у них продукты никогда не прятали под замки». Художница написала его портрет в 1914 году — в этот период она активно работала над своим крестьянским циклом, в котором половина жителей Нескучного могли бы опознать себя. Еще раз Голубева мы встретим на ее картине «Крестьяне. Обед» из собрания Русского музея.

Сергей Иванов (1941)

Художник Сергей Петрович Иванов, известный в Париже как Serge Ivanoff, происходил из купеческой семьи, был учеником Осипа Браза и Дмитрия Кардовского. В эмиграции оказался в 1922 году, перейдя пешком финскую границу. Там он напечатал на французском книгу «Голод в большевистской России» с документальными рисунками. За границей жизнь задалась — он стал достаточно популярным портретистом, работал в лучших журналах, пятнадцать лет прожил в США, а потом вернулся во Францию. Скончался Иванов в 89-летнем возрасте. С Серебряковой, также учившейся у Браза, этого темпераментного человека связывала дружба, он помогал ей советами по обустройству в эмигрантской жизни и, в свою очередь, тоже написал ее портрет.

Сергей Прокофьев (1926)

Портрет написан, когда Серебрякова уже два года как оказалась в эмиграции, Прокофьев же уехал еще в начале 1918 года. И в 1926 году, когда написан портрет, еще не думает возвращаться, хотя в Ленинграде в Мариинском театре ставят его «Любовь к трем апельсинам», а годом ранее он написал балет «Стальной скок» про молодую Советскую республику. Кроме портрета композитора художница написала его трехлетнего сына Святослава.

Петр Шильдкнехт (1955)

Петр Николаевич Шильдкнехт был сыном императорского архитектора и стал театральным художником. В 1924 году он эмигрировал из Советского Союза. Через два года — он арт-директор на съемках «Андалузского пса» Луиса Бунюэля и Сальвадора Дали. В историю кино он вошел под именем Пьер Шильд. В числе прочего, он работал декоратором на съемках фильмов Марка Соркина и Вильгельма Георга Пабста. Когда сын Серебряковой Александр искал заработок, Шильдкнехт нашел ему работу в кино.

Серж Лифарь (1961)

Знаменитый танцовщик эмигрировал в 1923 году по приглашению «Русского балета» Дягилева. Во время написания портрета ему уже 56 лет — время былой славы (и былой стройности), конечно, позади, однако необыкновенное обаяние артиста никуда не исчезло. Серебрякова писала о сеансах позирования дочери: «Больше всего мы с ним говорили о Пушкине — у него ведь в собраньи подлинные письма Пушкина к Наталье Гончаровой! Он издал сам книгу с полным текстом этих писем, устраивал здесь выставку в 1937 году Пушкинскую, а затем Лермонтовскую… Лифарь ездил весной в СССР, рассказывал с восторгом обо всем, что видел чудного в музеях и городах».

Евгений Лансере (1915)

А напоследок — портрет, в котором рука Серебряковой узнается сразу. Он даже кажется очередным автопортретом художницы, к которому пририсованы усы и бородка. Ничего странного в этом нет — на картине изображен ее родной брат художник Евгений Лансере. На нем шинель и папаха — он собирается на фронт Первой мировой войны, как и многие другие деятели искусств. После революции он останется в Союзе, будет работать и преподавать в Тифлисе и Москве и даже избегнет репрессий.

ссылка

Самые красивые Варвары в русских портретах
Вспоминаем самых красивых и интересных обладательниц этого имени в русской живописи.

Имя Варвара на Руси было известно издавна — оно принадлежало святой Варваре Илиопольской, которую весьма почитали в стране, в том числе потому, что ее мощи показывали в киевском Михайловском Златоверхом монастыре. Сохранились прекрасные иконы святой XIV–XV веков. Однако правящие князья Рюриковичи это имя не употребляли. Не стало оно «царским» и для новой династии Романовых. Впрочем, в XVII веке, когда Рюриковичи перестали быть монархами, превратившись в аристократов, это имя начало встречаться намного чаще. Но, конечно, портреты Варвар появились только в XVIII веке — тогда же, когда в России появилась сама портретная живо
На портрете кисти Грота 1746 года в серебряном платье изображена Варвара Алексеевна Шереметева, дочь князя Черкасского и самая богатая невеста России. Свадьба с ней принесла роду Шереметевых состояние и множество поместий, включая Останкино и Марьино. Руку она протягивает к усыпанному бриллиантами портрету императрицы Елизаветы — знаку того, что она ее камер-фрейлина. Обратите внимание на сильный макияж.
А картина 1760 года, написанная Ротари, изображает ее дочь и тезку Варвару Петровну Шереметеву, которая выйдет замуж за Алексея Кирилловича Разумовского (сына последнего гетмана и племянника фаворита). На картине ей только 10 лет, но Варвара наряжена, напудрена и накрашена, как взрослая, в ушах у нее крупные бриллианты. Но руку она тянет не к награде, а к розе — знаку игривой эпохи рококо. Роза на груди приколота и у Варвары Николаевны Суровцевой, написанной Рокотовым в 1780-х годах. Об этой даме, чей портрет считается одной из красивейших работ художника, мы практически ничего не знаем — кроме того, что она одевалась по последней моде. Впрочем, Рокотов вообще тщательно следил за выбором костюма.
Нежны и не закованы в жесткий корсет Варвары на портретах конца XVIII века — наступает эра сентиментализма и романтизма. На картине приезжей портретистки Анжелики Кауфман 1784 года изображена баронесса фон Криденер — та самая, к чьим мистическим советам прислушивался Александр I. Прибалтийская дворянка, она была крещена как «Барбара Юлия» — не только в честь святой Варвары, но и в честь пострадавшей с ней в один день Иулиании. На портрете маленький сын баронессы держит в руках лук — на языке символов того времени это значит, что он Купидон, а мать его — Венера. Другая заезжая портретистка, Элизабет Виже-Лебрён, оставила портреты Варвары Николаевны Головиной (1797–1800) — подруги императрицы Елизаветы Алексеевны и автора любопытных записок, и Варвары Нарышкиной (1800) — внебрачной дочери фаворита Екатерины II Римского-Корсакова и красавицы Екатерины Строгановой. Она станет матерью первой Зинаиды Юсуповой. Головина закутана как почтенная мать семейства, а вот более юная Нарышкина — в игривом наряде а-ля античная нимфа.

С популярностью святой Варвары в России вышел любопытный казус — считалось, что, помимо жены Владимира Святого Анны, анонимной матери Владимира Мономаха и Софьи Палеолог, на Русь вышла замуж еще одна византийская принцесса — Варвара Комнина. Ее называли женой великого князя киевского Святополка II Изяславича. Но она должна быть сестрой знаменитого историка Анны Комниной, а в трудах той о Варваре ни слова! В итоге выяснилось, что принцессу придумали церковники в XVII веке — им надо было как-то объяснить, как мощи святой Варвары попали в Киев. И они выдумали Варвару Комнину, которая будто бы привезла реликвии своей святой покровительницы из Константинополя в числе прочего приданого.
Владимир Боровиковский написал такое количество прекрасных барышень, что среди них обязательно найдется Варвара, причем не одна. На портрете 1798 года — Варвара Алексеевна Мартынова, вышедшая замуж за Романа Шидловского, представителя богатейшей семьи Харьковщины. Поэтому она украшена крупными драгоценными камнями и жемчугом. На груди медальон с портретом — судя по старомодному парику, это не муж, а отец. Варвара Гавриловна Гагарина вместе с сестрой Анной написана на портрете 1802 года — они дочери сенатора и министра, а наряжены, заметьте, намного сдержанней Шидловской. Сестры изображены музицирующими: одна держит в руках ноты, другая — гитару устаревшего ныне силуэта. Варвара, кстати, сбежит из отчего дома с любовником, а Анна уйдет в монастырь. Элегантно сдержан и облик Варвары Андреевны Томиловой (1800-е годы) — жены генерала, героя войны 1812 года и большого любителя искусств (например, он собрал почти полную коллекцию офортов Рембрандта.
К середине века мода меняется — дамы нарядились в пышные кринолины с кружевами и оборками. На портрете кисти Винтерхальтера (1857) — еще одна представительница рода Шереметевых по имени Варвара, в замужестве Мусина-Пушкина. Прекрасная графиня наряжена в великолепные жемчуга, а подол ее платья напоминает облако — впрочем, это излюбленный прием художника. Портретист Иван Макаров известен тем, что оставил несколько портретов Натальи Гончаровой. Девочки Ольга и Варвара Араповы — тоже из семьи пушкинской вдовы: два их брата были женаты на дочерях Гончаровой от брака с Ланским. Платье необычного оттенка на картине Маковского (1884) украшает знаменитую Варвару Алексеевну Морозову — благотворительницу, меценатку, мать коллекционеров Михаила и Ивана Морозовых.

ссылка

Девочка с полотна Крамского (1882) — Варвара Лемох, дочь художника-жанриста Кирилла Лемоха, которая выйдет замуж за сына Менделеева. Ее платье с коротким подолом (потому что детское) — отсылка к моде мушкетерской эпохи: обратите внимание на шляпу и воротничок. Самый эффектный портрет кисти Репина изображает даму с не менее эффектной фамилией — Варвару Ивановну Икскуль фон Гильденбанд (1889). Известная под прозвищем Красная Баронесса, она сделала колоссально много — помогла создать общество Красного Креста, с сестрами милосердия ездила на фронт Первой мировой и даже получила Георгиевский крест за работу на передовой. В 1920 году сбежала за границу по льду Финского залива — а ей было уже 70. Очередная графиня Варвара Мусина-Пушкина, но на этот раз Васильевна, смотрит на нас с портрета Серова (1895). Кажется, заказчица была желчному Серову симпатична — он писал ее несколько раз и гостил в ее имении Борисоглеб.

Валентин Серов и портреты Романовых

Художник Валентин Серов прославился как мастер портрета. Среди его заказчиков были и представители императорской династии Романовых — Серов написал более десяти портретов августейших особ. Предлагаем посмотреть картины знаменитого русского портретиста и познакомиться с пятью представителями царской семьи.
Про портрет сына, написанный Валентином Серовым, Александр III сказал: «Мишенька как живой». Художник сумел поймать краткий миг ускользающего детства: на картине мы видим Михаила взрослеющим, уже почти подростком. Он немного задумчив, но в его взгляде еще таится детская мечтательность. Одет цесаревич по моде конца XIX века — в белую матроску. Тысячи обычных мальчишек тоже носили их на рубеже веков.

Эта картина — этюд для группового портрета царской семьи. Живописцу отвели на работу лишь три сеанса, во время которых Михаил и его сестры Ксения и Ольга позировали ему. Остальное пришлось дописывать по памяти. Для Серова такой подход был непривычным: обычно он работал долго, несколько месяцев подряд, уделяя особое внимание деталям.

Групповой портрет впервые выставили в 1894 году в селе Борки Харьковской губернии. В честь спасения царской семьи в железнодорожной катастрофе здесь возвели церковь и часовню. На торжествах по их освящению портрет семьи Александра III висел в отдельном павильоне, однако многие зрители принимали его за икону и останавливались, чтобы перекрестить.
Шестой сын императора Александра II Павел Александрович служил генерал-адъютантом в лейб-гвардии Конного полка. На полотне великий князь изображен в парадном мундире. Денщик придерживает коня князя за уздцы. Серебристый цвет княжеского мундира, вороная масть коня и его светлые «чулочки» создают на полотне своеобразную игру вертикали и горизонтали, белого и черного. Переступающий с ноги на ногу взволнованный конь контрастирует с нарочитым спокойствием своего хозяина, позирующего художнику.

В центре композиции находится золотая сверкающая кираса (нагрудные латы) Павла Александровича. Критики отмечают мастерство Валентина Серова: художнику удалось выписать в отражении блестящих лат детали пейзажа.

Портрет Павла Александровича завоевал золотую медаль на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. Сегодня он хранится в Третьяковской галерее.
Александра III Валентин Серов писал несколько раз. Групповой портрет императорской семьи 1893 года стал единственным полотном, написанным при жизни монарха. Облик Александра III на картине 1899 года приходилось воссоздавать по памяти. Валентин Серов также опирался на снимки императорского фотографа Сергея Левицкого.

На картине Александр III выглядит одновременно величественным и добродушным. Он изображен на фоне дворца Фреденсборг в Копенгагене в мундире почетного полковника датской Королевской лейб-гвардии. Это звание присвоил императору король Кристиан IX в 1879 году. С тех пор во время визитов в Данию Александр III всегда носил офицерскую форму: треуголку с голубым и белым плюмажем и алый парадный мундир. На нем кроме российских высших наград можно увидеть и датские: голубую ленту, звезду ордена Слона, звезду и крест ордена Данеброг.

Художник несколько раз ездил в Данию, чтобы сделать натурные зарисовки. Один из сержантов позировал ему возле дворца вместо императора. Оригинал императорского портрета хранится в Копенгагене, в офицерском фонде Королевской лейб-гвардии.
Домашний портрет Николая II, подарок Александре Федоровне, художник создал всего за две встречи с императором. Оригинальная версия картины не сохранилась: захватившие Зимний дворец революционеры распороли холст штыками. Однако Серов, едва закончив портрет в 1900 году, сразу же сделал его копию. Он беспокоился о судьбе картины, потому что она не очень нравилась императрице. Во время сеансов Александра Федоровна пристально наблюдала за художником и щедро раздавала советы, как «подправить» лицо Николая II на портрете. В конце концов Валентин Серов не выдержал, протянул императрице палитру с кистями и предложил ей самой закончить работу.

Портрет Николая II выглядит незавершенным: он написан широкими свободными мазками без тонких световых переходов, детали полотна не проработаны. Но исполнение картины отражает идею Валентина Серова. Художник хотел показать в первую очередь человека — уставшего на службе, пришедшего домой после работы. На полотне отсутствуют обычные атрибуты царских портретов — торжественные интерьеры, парадная одежда, высшие награды. Николай II изображен в тужурке лейб-гвардии Преображенского полка, которую он носил каждый де

Обычно портретные рисунки художники XIX века создавали как этюды к большим живописным полотнам. Но акварельные и карандашные работы Валентина Серова — это самостоятельные произведения искусства.

Портрет Александры Федоровны выполнен в трех цветах: черном, белом и красном. Художник построил композицию картины так, что зритель смотрит на изображение снизу вверх, из-за этого императрица кажется более величественной. Проходя мимо поданных, она отстраненно отвечает на их знаки внимания. Плавными линиями Валентин Серов прорисовал строгий и изысканный крой ее платья, воздушную накидку, сброшенную с плеч. Окружающих он, напротив, изобразил подчеркнуто прямыми и ломаными линиями, их лица практически не различимы, а фигуры — угловаты.

Про Александру Федоровну, иностранку по происхождению, часто говорили, что ее отношения с двором не сложились. Во время торжественных церемоний императрица вела себя сдержанно: ее стесняло общение с незнакомыми людьми. Однако официальные мероприятия были обязательной частью жизни двора. Об одном из них Николай II писал в своем дневнике: «В 2 часа в Зимнем начался дамский безмен — 550 дам! Моя дорогая Аликс выглядела замечательно красивою в русском платье». Безменом в те годы называли церемонию целования рук.

Рисунок с изображением императрицы Александры Федоровны можно увидеть в Государственном Русском музее.

https://www.culture.ru/materials/126453/valentin-serov-i-portrety-romanovykh